Sonidos y versos emitidos por el pelobato occidental

Sonidos y versos emitidos por el pelobato occidental

SONIDOS EMITIDOS POR ANIMALES

Los versos del pelobato occidental

El pelobato occidental, nombre científico Pelobates cultripes es un sapo familiarPelobatidae. Los machos, especialmente durante la época de reproducción (febrero-abril), hacen gritos agudos durante el crepúsculo y la noche para atraer a las hembras, y si el día es sombrío o lluvioso, también gritan durante el día.
El canto también se puede producir bajo el agua.


Narrando con sonidos

Todo lo que nos rodea es música

Está la música de la naturaleza y la de los instrumentos, la música de la alegría y la de la tristeza, la música de las marchas militares y la de las fiestas, la música para bailar y para rezar. La música envuelve la vida de todos, acompaña momentos felices y dolorosos, hoy como en el pasado.

Cuanta musica hay?

Nuestra vida transcurre en ambientes ricos en sonidos. Pero rara vez le prestamos atención. La mayoría de las veces, vivimos en medio de sonidos y ruidos sin prestarles atención. Y, aunque los ruidos no sean música, sería importante, como muchos músicos nos han invitado a hacer, conocer el mundo tanto con nuestros oídos como con nuestros ojos. Algunos músicos del siglo XX sintieron la necesidad de insertar los sonidos y ruidos del mundo exterior en sus composiciones: Gustav Mahler nos hace escuchar cencerros en una sinfonía, George Gershwin las bocinas de los taxis, otros aún el tic-tac de los autos para escribir, el silbido de sirenas, rugido de aviones en vuelo.

Hay musica para todos

La música es un lenguaje capaz de unir culturas y mundos diferentes, expresa sentimientos universales y despierta emociones profundas. Hay varias formas en que lo escuchamos y es difícil, si no imposible, encontrar las palabras adecuadas para decir qué causa la escucha en cada uno de nosotros. De una música podemos decir si es alegre o triste, un poco más. Sabemos, sin embargo, qué emociones despierta en nosotros, si nos conmueve, nos emociona o nos hace felices. Por eso no a todo el mundo le gusta la misma música, porque todo el mundo encuentra, al escucharla, lo que necesita o lo que más responde a su estado de ánimo.

La primera musica

Fue el hombre del Paleolítico quien creó las primeras formas musicales, utilizando objetos sonoros construidos con los materiales naturales a su disposición. A partir de las representaciones rupestres y de los estudios sobre pueblos primitivos se puede suponer que el hombre creaba sonidos para imitar a la naturaleza y sentir el agua, el viento, la lluvia, los animales. Luego organizó estos sonidos para construir una melodía y un ritmo: estaba aprendiendo a componer y, poco después, se habría dado cuenta del extraordinario poder de la música: el de expresar emociones utilizando sonidos incluso sin referencias específicas a fenómenos naturales.

Las leyendas que cuentan la musica

Los antiguos egipcios llamaban música hy, es decir, "alegría", pensaban que era un regalo de los dioses y poseían poderes mágicos. Creían que el dios Thoth, guardián del conocimiento universal, lo había inventado y que Osiris lo había usado para traer orden, civilización y belleza al mundo. Como los egipcios, otros pueblos orientales pensaban que la música tenía orígenes divinos: en los libros sagrados de la India se dice que el creador del Universo no era más que un aliento sonoro, una sílaba sagrada, una pequeña música de inmenso poder.

La leyenda más famosa ligada a la música es la del mítico cantante Orfeo, hijo del dios griego Apolo, inventor de la lira. Cuenta el mito que, cuando Orfeo cantaba, los pájaros y los peces corrían a sus pies, el viento y el mar se detenían, los árboles y las piedras lo seguían. La magia de su música, su canción desesperada por la muerte repentina de la novia Eurídice conmovió incluso a Plutón, el señor del inframundo, que permitió a Orfeo entrar en su reino para devolverla a la vida.

Muchos músicos han contado la historia de Orfeo, ciertamente porque, a través de ella, pudieron contar el extraordinario poder de la música, capaz incluso de vencer a la muerte. Claudio Monteverdi fue el primero en dedicar, en 1607, una obra completa al mito de Orfeo. Se mantuvo fiel al triste final del mito: Orfeo es incapaz de salvar a Eurídice porque no respeta la condición marcada por Plutón y se vuelve para mirar a su amada. En el siglo XVIII, Christoph Willibald von Gluck en su trabajo le dio a la historia un final feliz, gracias a la intervención del dios Amor.

Los elementos de la musica

Una melodía para tararear, un ritmo para tocar, armonía para mezclar todo y finalmente, a tu elección, sonidos delicados o fuertes, altos o bajos, oscuros o claros. La velocidad con la que las notas se suceden puede variar según el gusto: la música puede correr veloz como una gacela, arremolinarse como un torbellino enloquecido o fluir lentamente como las aguas de un plácido río.

La gran variedad de sonidos

Alto o bajo, alto o débil, rápido o lento, claro u oscuro: cada música se compone de sonidos con diferentes características en tono, intensidad, duración y timbre. Imagina el trino de un ruiseñor o el chirrido de un ratón: sus voces los tonos altos vuelan alto en el aire. Por el contrario, el rugido del trueno nos golpea con sonidos bajos y profundos. Este es elaltura.

Hay sonidos tan imperceptibles que tocan el silencio como una lluvia primaveral, otros son tan ligeros como el batir de las olas en la orilla del mar, otros tan fuertes como el rugido de una cascada o el rugido de un avión. Este es elintensidad o volumen. Otro elemento importante de los sonidos es el duración. Un sonido puede ser largo y persistente como el eco de una voz que rebota en un valle profundo, o corto y fugaz como el chasquido de tus dedos.

El último elemento es el sello de goma, ese es el 'color' del sonido, que difiere de un instrumento a otro. La misma nota, producida por diferentes instrumentos, tiene diferentes timbres. A allí tocado por el oboe es nasal y quejumbroso, es brillante y brillante cuando lo toca una trompeta, es oscuro y profundo cuando lo produce un contrabajo.

Los ingredientes de la música: melodía, armonía y ritmo.

Para componer una pieza musical, ciertamente no basta con hacer sonar una secuencia de sonidos: hay que saber abordarlos con cierto gusto, respetando reglas precisas de composición. A menudo tarareamos una melodía que se nos ha quedado grabada: hacernos recordar que es el melodía que, si está bien construido, es agradable y tiene el poder de despertar una emoción en nosotros, conmovernos, tranquilizarnos.

Por hermosa que sea, una melodía, sin acompañamiento, se perdería. Necesita ser apoyado y acompañado de notas 'amigables', menos llamativas y memorables, pero capaces de darle a la pieza algo propio. armonía. El último ingrediente es el ritmo. A menudo sucede escuchar una pieza musical alegre y cautivadora y empezar, sin pensarlo, a mover los pies, balancear la cabeza o aplaudir. Sin saberlo estamos batiendo el tiempo, es decir, estamos repitiendo la sucesión de golpes fuertes y débiles dentro de la pieza. Este es el ritmo: si lo sentimos, ¡no podemos hacer nada más que bailar!

Como escribir musica

¿Cómo escribir en papel las notas que debe tocar una flauta o una viola? Problema que no fue fácil de resolver, dado que se trata de sonidos, por su naturaleza esquivos y flotantes en el aire. Pero poco a poco se fue encontrando la solución. En un principio, cuando aún no se usaban instrumentos y la música se hacía solo cantando, se usaban pequeños signos escritos encima o debajo de las palabras de los textos a entonar. Ellos fueron llamados neumas e indica cuándo debe subir o bajar la melodía. ¿Pero subir y bajar por cuánto? ¿Y con respecto a qué?

El monje Guido d'Arezzo pensó en idear una solución. Hacia el año 1000 inventó el pentagrama musical en el que escribir estos signos, para indicar con precisión su altura. Hizo más: dio un nombre a los pequeños carteles para escribir en el personal. Nacieron las notas, el alfabeto de la música y precisamente: Utah (luego transformado en hacer), Rey, yo, lo hace, Sol, allí, . Aún quedaba un problema por resolver: ¿cómo marcar la duración de los sonidos en el papel? A partir del siglo XIII, los compositores utilizaron una forma para las notas largas y otra para las cortas, método que, poco modificado, se sigue utilizando en la actualidad.

Música corporal: bailes, bailes y ballets

La danza es el lenguaje del cuerpo. Los hombres de los orígenes comenzaron a comunicarse entre sí con gestos, antes incluso con palabras. Luego con el movimiento rítmico de las manos, los pies y todo el cuerpo invocaban la llegada de la lluvia, celebraban la victoria sobre el enemigo, seguida de procesiones nupciales y fúnebres.

Estamos hechos de ritmo

Al escuchar nuestro cuerpo, descubrimos que llevamos el ritmo dentro de nosotros: más rápido o más lento, nuestro corazón late incesantemente. Por lo tanto, es natural moverse en el tiempo al escuchar música. También nuestros antepasados: combinaron el movimiento con la música y dieron origen a bailar.

Para los pueblos antiguos, el lenguaje corporal tenía un significado sagrado. Incluso hoy en día en el continente más antiguo del mundo, África, algunas tribus, antes de salir a cazar, bailan. Al hacerlo, imitan los pasos de los animales que pretenden matar: de esta manera creen que pueden apoderarse de su fuerza y ​​hacer posible capturarlos.

Zapatillas y zapatillas de raso

Habiendo abandonado el aspecto mágico y religioso, la danza se ha convertido en una forma de arte y entretenimiento que ha tomado diferentes formas y formas tanto en Oriente como en Occidente. En Francia, en la época del Rey Sol, es decir, entre los siglos XVII y XVIII, el ballet se desarrolló según patrones precisos que requieren años y años de estudio para quienes quieran practicarlo.

Fue a finales del siglo XIX en Rusia cuando se compusieron los ballets más famosos de todos los tiempos. Pëtr Il′ič Čajkovskij se destacó por su capacidad para traducir en música los temas y las atmósferas de cuento de hadas de las historias que lo inspiraron y compusieron su ballet más famoso. lago de los cisnes, para los nietos.

En el ballet clásico, los bailarines, en tutús aleteando, bailan en punta, gracias a los zapatos con punta de tiza, siguiendo patrones y movimientos rígidamente fijados por la tradición. ¡Pero qué esfuerzo! ¡Qué acrobacias increíbles! Parecen mariposas alzando el vuelo.

En cambio, en el ballet moderno, los bailarines a menudo visten jeans y camisetas, bailan descalzos o con zapatillas de deporte, se mueven en formas más libres e incisivas. Sus movimientos, más que el vuelo de una mariposa, sugieren la garra de un león o los saltos de un canguro. La danza moderna tiene sus raíces en las primeras décadas del siglo XX: fue entonces cuando la bailarina estadounidense Isadora Duncan, creadora del baile gratis, y Martha Graham inventó una danza sin tutús ni zapatos, enseñando a encontrar la fuente de inspiración dentro de uno mismo e insertando los ritmos del jazz y los gestos de las tradiciones populares en estas nuevas formas de danza.

Vals, tango, boogie-woogie y rock and roll

¡No solo bailas en el escenario de un teatro! En todas las épocas del pasado, en los salones de los palacios aristocráticos o en las eras del campo, la gente se entretenía bailando al son de algún instrumento.

A finales del siglo XIX, el vals transformó Viena en un gran salón de baile. Era un baile de origen campesino, arrollador y burbujeante. Incluso hoy en día los valses de la gran tradición austriaca son muy famosos, incluido el muy famoso En el hermoso Danubio azul, compuesta por Johann Strauss.

En Argentina, en los años veinte del siglo pasado, nació el tango, un baile en el que se mezclan tristeza, nostalgia, pero también rabia y coraje. El tango deriva de ritmos cubanos mezclados con motivos africanos traídos a América Latina por esclavos negros. Dos tangueros se reconocen de inmediato: se abrazan con fuerza, se miran intensamente, entrelazan piernas y brazos en complicadas acrobacias y luego vuelven a realizar movimientos fluidos y sensuales. Parecen hechizados por la pasión que transmite la música.

Al final de la Segunda Guerra Mundial, en un clima de gran entusiasmo, en Estados Unidos la forma en que los jóvenes hacían música y bailaban sufrió una violenta sacudida: en la sala de estar, en los clubes y en ocasiones hasta en la calle, nos lanzamos al boogie-woogie frenético y desatamos el rock and roll, mostrando acrobacias espectaculares.

Una herramienta para todos: la voz

Hay cuatro pequeños pliegues en la garganta de cada uno de nosotros. Se llaman cuerdas vocales y, aunque no se parecen en nada a las del violín o la guitarra, se utilizan para hacer música. Si están bien 'educados', a través del estudio en escuelas especiales, nos permiten emitir melodías delicadas y armoniosas, trinos y gorjeos, para el deleite del oyente.

¡Qué clase de voz!

Incluso la voz que canta, como la que habla, aunque cambia con el tiempo, es única e inimitable, como una huella. El grosor de las cuerdas vocales, su longitud, el tamaño de los pulmones y la forma en que cada cantante los ha educado contribuyen a que cada voz sea diferente de otra.

Los cantantes de ópera se clasifican en diferentes tipos según el timbre, el color, el rango de voz: tenores, barítonos y bajos son las voces de soprano masculino, mezzosopranos y contraltos las femeninas. Tenores es sopranos tienen voces agudas, ágiles y brillantes, mientras altos es bajo tienen voces profundas y graves. Las voces de los niños se llaman en cambio voces blancas y son claros, límpidos y cristalinos.

Cantar en coro

Cantar en un coro es muy bonito: crea un gran sentido de solidaridad y amistad y es una forma de aprender a escucharte a ti mismo y a los demás. Puedes unirte a un coro desde temprana edad: una gran oportunidad para conocer el mundo de la música desde adentro y participar en espectáculos.

En la tradición cristiana, el canto coral se inició de una manera muy sencilla: los fieles superpusieron a las palabras de alabanza a Dios una melodía fácil, desprovista de ritmo y armonía reales. Esta forma de cantar se llamaba canto gregoriano, en honor al Papa Gregorio Magno, quien se encargó de difundir su uso durante el siglo VI. El Papa reunió todas las canciones en un manuscrito que había atado con una cadena de oro al altar de San Pedro: hizo muchas copias de ese libro y fundó escuelas que difundieron el canto gregoriano por todas partes.

Grandes músicos y música coral

Muchos grandes músicos han escrito páginas intensas de música coral: Ludwig van Beethoven, por ejemplo, quiso introducir en su última sinfonía una parte coral con la que pretendía invitar a la paz y la hermandad universal. Creía, y ciertamente tenía razón, que la invitación sería más conmovedora y atractiva precisamente por la presencia y el entrelazamiento de la música instrumental, las voces solistas y el coro. Sobre los versos de un gran poeta compuso elOda a la Alegría, que hoy se ha convertido en el himno oficial de la Unión Europea.

Incluso las óperas de Giuseppe Verdi recurren a menudo a momentos corales de gran poder y belleza. Muy famoso es el Ir pensando, en el trabajo Nabucco: una canción dulce y melancólica que el pueblo judío, en el exilio, entona para expresar su nostalgia por su patria perdida.

Las mil formas de cantar

La voz humana es la herramienta más fácil de usar para hacer música. Y de hecho casi todos lo usamos. Se canta para que los niños se duerman, para celebrar, para marcar ritmos de trabajo, marcha o baile. A veces la gente canta para expresar su disconformidad, para dar rienda suelta a la ira, el dolor o la felicidad. Y cantamos para orar, en las iglesias, pero no solo. Algunas grandes canciones de invocación a Dios nacieron espontáneamente en el lugar de trabajo, por ejemplo en los campos de algodón, donde una vez los africanos, esclavizados, improvisaron canciones sencillas y conmovedoras, similares a gritos de dolor y rebelión. Estas canciones se llaman evangelio es espiritual: hoy ya no se cantan en el campo sino en iglesias y salas de conciertos y se han convertido en parte de la historia de la música.

Con la voz también puedes hacer cosas divertidas y divertidas como, por ejemplo, imitar instrumentos musicales. El coro de Swingle Singers se hizo famoso por esto: en lugar de cantar, usan su voz para ... tocar. Los Swingle Singers imitan perfectamente flautas y trombones, violines y bombos. Este coro está compuesto por solo ocho personas, cuatro mujeres y cuatro hombres, ¡pero suena como una orquesta completa para escucharlo!

Si la música se encuentra con la palabra

En el teatro de la ópera los personajes, en lugar de hablar, cantan y, cantan, cuentan sus historias, fantásticas o divertidas, trágicas o con final feliz. En este extraño mundo de música y palabras, lo que nunca ha dejado de encantar a los oyentes durante 400 años o más es precisamente la poderosa belleza del canto.

La magia de la opera

Los personajes de la ópera siempre cantan. Cantan mientras se enfrentan en un duelo a muerte, o incluso mientras mueren. Cuando nació la ópera en Florencia a principios del siglo XVII, la idea de poner música a un texto de arriba a abajo era una novedad absoluta.

En algunos aspectos, el trabajo es similar a los cuentos de hadas, en los que lo increíble se vuelve plausible y lo improbable aceptable. Para que pueda pasar, como pasa en el trabajo Don Giovanni de Wolfgang Amadeus Mozart, quien por la noche, en un cementerio, una estatua de mármol de repente comienza a cantar, amenaza a su asesino con una voz de ultratumba, acepta una invitación a cenar suya, se presenta puntualmente a la hora acordada ... ¡Y terminar arrastrando a Don Giovanni al infierno!

Los ingredientes del teatro en la música

Cuando un músico quiere componer una obra, primero va en busca de una historia y un poeta que se la cuente en verso. Así tendrá un texto, dijo folleto, sobre el que componer su partitura.En realidad los componentes de la obra son tres: el texto, la canción, la orquesta. El compositor puede jugar libremente con ellos, obteniendo efectos muy interesantes. Puede decidir, como ocurre en las obras de los siglos XVIII y XIX, bloquear la acción y, durante un tiempo que parece muy largo, lanzar al cantante en vocalizaciones acrobáticas, hacerle repetir las mismas palabras una y otra vez, siempre con diferentes entonaciones que revelan todos los secretos del alma. En otras ocasiones, en escenas de gran emoción, el compositor puede decidir entrelazar las voces de varios personajes. Si la armonía de la canción no estuviera involucrada, el resultado podría ser incluso molesto, pero no lo es: en ambos casos, la capacidad del compositor para combinar sonidos y voces es tal que incluso la comprensión de las palabras es superflua. La música es suficiente para que todo quede muy claro.

LA caracteres

En la ópera los personajes se hacen reconocibles por la forma en que cantan y por el tipo de música que el compositor inventa para cada uno de ellos. Ninguno Cenicienta, por ejemplo, Gioacchino Rossini hace que sus hermanastras canten con música brillante y ritmos 'picantes', para revelar su carácter frívolo, travieso y agresivo. A Cenicienta, en cambio, Rossini le confía melodías muy dulces, expresadas con un canto lento y tranquilo, que hacen comprender al oyente no solo el buen carácter del personaje, sino también su melancolía y su soledad.

¿Qué le hace la música a las palabras?

La música que 'cubre' las palabras de un libreto completa y profundiza su significado. Por ejemplo, en el segundo acto de La Traviata, una de las obras maestras de Giuseppe Verdi, Violetta, la protagonista, debe separarse de su amante, porque su padre está en contra de su unión. Durante la última conversación Violetta pronuncia estas palabras: "Ámame, Alfredo, cuánto te quiero. ¡Adiós!". A simple lectura parece un saludo apasionado entre dos amantes, nada más: pero la música y la canción transforman el sentido de la frase. Los violines explotan en un muy fuerte, es decir, con un sonido muy intenso y vibrante, los trombones 'gritan' una descorazonadora resignación, mientras Violetta canta una canción que es a la vez una súplica y una declaración de amor. Oímos mucho en esa música: la renuncia a la felicidad, la soledad a la que se condena Violetta, la conciencia de la muerte cercana.

La música también puede contradecir lo que dice el texto, burlándose de su significado. Ninguno El Barbero de Sevilla, con música de Rossini, la protagonista Rosina se presenta al público declarándose dócil, dócil y obediente. En la orquesta, el silbido de un flautín (el más agudo de los instrumentos de viento) comenta estas declaraciones como una burla, haciendo que el público comprenda que el personaje está hecho de un material completamente diferente.

Teatro en la música

El teatro musical, a lo largo de su dilatada trayectoria y en las diversas formas que ha ido adquiriendo, ha conquistado un público de apasionados espectadores de todo el mundo. Incluso hoy en día las obras escritas hace muchos años están representadas y mantienen intacta su capacidad de entretener y conmover.

Comedia en la musica

Antes de Mozart, la ópera se componía de una alternancia rígida de partes de diálogo y arias. En la parte de diálogo (el llamado recitado) la música se limitó a unas pocas intervenciones, mientras que el intercambio de palabras entre los personajes llevó la acción hacia adelante en elaire (es decir, en la melodía), viceversa, se le ofreció al cantante la oportunidad de actuar con un virtuosismo imprudente, pero la acción se detuvo. Mozart vinculó recitativos y arias en un flujo musical continuo, haciendo que el desarrollo de la historia fuera más espontáneo y natural. Mozart compuso varias obras en colaboración con el libretista italiano Lorenzo Da Ponte: Las bodas de Fígaro, Don Giovanni, Así que todos ellos son comedias reales en la música, y en la música, como en la vida real, los momentos cómicos y dramáticos se entrelazan.

Gioacchino Rossini y la ópera cómica

En Nápoles, su tierra natal, la ópera cómica fue muy popular: al público le gustaron los hechos simples y divertidos que, después de mil altibajos, terminaron con el inevitable final feliz. Rossini le dio a este género musical una fama europea, con una vitalidad y energía completamente nuevas. Uno de los rasgos que distinguen su música es el ritmo, que se desata tanto en el vertiginoso creciendo ambos en el sensacional acto final. En el crescendo, una melodía simple, tocada suavemente, crece, crece, crece hasta convertirse en un explosivo muy fuerte. L 'obertura (la pieza instrumental que introduce la ópera) de El barbero de Sevilla gana velocidad como una locomotora lanzada en una carrera loca, mientras que el sonido, sutil al principio, se vuelve cada vez más pleno a medida que se agregan y superponen los diversos instrumentos de la orquesta. En el acto final todos los personajes están en el escenario al mismo tiempo y están abrumados por una música muy rápida: sus palabras se superponen a un ritmo tan rápido que se vuelven irreconocibles y esto crea un efecto cómico irresistible.

Giuseppe Verdi y el melodrama

Vincenzo Bellini y Gaetano Donizetti fueron los primeros en llevar el melodrama a la cima del éxito. Los apasionantes acontecimientos del amor y la muerte, que fueron el tema predilecto de sus obras, fueron cubiertos de música cargada de sentimiento y languidez. Con Giuseppe Verdi, en cambio, la elección de temas se amplía: los aspectos más diversos de la vida entran en el melodrama. De la historia a la política, de las relaciones familiares a los conflictos de poder, de la religión a las pasiones más ardientes, todo es fuente de inspiración musical para Verdi. Su música, vigorosa e incisiva, parpadeante y crepitante como la chispa de una hoguera, no solo creó personajes inolvidables, sino que también enardeció las almas de los patriotas italianos en la época de las luchas por la unificación de Italia.

Mientras se seguían escribiendo óperas y operetas en Europa, un género musical de teatro más espectacular ganaba popularidad en los Estados Unidos: el musical. Ritmos salvajes, melodías que remiten al jazz y al blues y, sobre todo, espléndidas coreografías son sus ingredientes fundamentales. La complejidad del espectáculo requiere protagonistas capaces de bailar, cantar y actuar. West Side Story es uno de los mejores ejemplos de musicales. Compuesto en 1957 por Leonard Bernstein, propone el tema de Romeo y Julieta, que es una historia de amor contrastada entre amantes pertenecientes a grupos en conflicto. A partir de los años setenta, el musical se renueva y se convierte también en una herramienta de análisis social con obras como Jesucristo superestrella, Pelo es Gatos. Incluso hoy en día el musical tiene grandes éxitos: en Italia uno de los más famosos y recientes fue Notre Dame de París de Riccardo Cocciante.

La unidad es fuerza: la orquesta

Están todos, un centenar o más de músicos, con trajes negros y camisas blancas almidonadas. Con un movimiento de su varita, el director les llama la atención. Levanta los brazos y el sonido se esparce por el pasillo. La orquesta toca.

La gran orquesta y sus instrumentos

La orquesta sinfónica es un gran instrumento compuesto por muchas partes que en conjunto producen un sonido variado, lleno de colores, capaz de arrastrar la escucha. Los instrumentos de la orquesta tienen una característica común: cuanto más pequeños son, más alto es el sonido que producen. Para conocer un instrumento no basta con escuchar su voz y saber cómo está hecho. Es necesario conocer su 'personalidad' y comprender su función dentro de la orquesta.

Un compositor ruso, Sergej Prokof′ev, autor de un cuento de hadas musical, viene a nuestro rescate Pedro y el lobo, en el que todos los personajes están asociados a instrumentos musicales.

Pierino y sus amigos: cuerdas y vientos

En el cuento de hadas de Prokofev, el protagonista es Pierino, representado como un niño alegre y valiente. Pierino está representado por violines, violetas es violonchelos. También en la orquesta estos instrumentos, que junto con los contrabajos forman la familia de cuerdas, son los protagonistas: suelen encargarse de las melodías y temas más significativos de una pieza sinfónica.

Pierino juega en el bosque con sus amigos: un pájaro, un pato y un gato. El pajarito tiene la voz de un flauta transversal. Este instrumento, de la familia del viento, tiene un timbre ligero y claro y emite notas ágiles y aleteantes que recuerdan los movimientos de un pájaro. El pato, un poco torpe y torpe, está hecho poroboe, un instrumento de timbre nasal y petulante, que representa el andar oscilante del pájaro de una manera increíblemente realista. ¡Pero sin bromas! Dentro de la orquesta sinfónica el oboe es fundamental: es el instrumento que 'da la allí', es decir, afina todos los demás instrumentos, logra crear atmósferas serenas o melancólicas y tristes. Los movimientos ágiles y atentos del gato están bien representados por otra respiración, la clarinete, un instrumento fabricado en madera de ébano, de un hermoso negro brillante, que puede cambiar de timbre según el tono de los sonidos que entona: brillante y brillante para las notas altas, íntimo y soñador para las bajas.

El abuelo llega para llamar a Pierino abruptamente para que regrese a la casa, ya que teme que haya un lobo en el bosque. Para representar a su abuelo, Prokof'ev elige un fagot, un instrumento quejumbroso, muy adecuado para señalar situaciones divertidas. Pertenece a la familia de las maderas y está formada por un barril de unos dos metros y medio de largo doblado a la altura del codo. Un pariente cercano es el contrafagot, más grande y con un timbre más cavernoso.

Lobo y cazadores, metales y percusión

El lobo realmente viene con la voz amenazadora de tres cuernos y, en poco tiempo, devora al pato. El cuerno se llama así porque una vez se hizo con cuernos de animales. Es parte de la familia de metales que incluye instrumentos de viento construidos, de hecho, en latón. Está formado por un tubo de cuatro metros de largo envuelto alrededor de sí mismo y su misma longitud le da el tono pleno, poderoso y regio de un viejo lobo. La familia de latón también forma parte de la trompeta, con un timbre claro y resonante, y el trombón, con un sonido potente y solemne. Con la ayuda de sus amigos, Pierino logra capturar y amarrar al lobo, que entrega a los cazadores para que lo lleven al zoológico. Prokof′ev usa i tímpanos, grandes tambores batidos por palos pesados, para reproducir los golpes. Los tímpanos forman parte de la numerosa familia de la percusión: frotados, golpeados o punteados, crean efectos sonoros sorprendentes y sobre todo tienen la tarea de enfatizar el ritmo de una composición musical.

Gigantes de la música

Cantatas y sinfonías, sonatas y conciertos, preludios y fugas: desde el siglo XVIII hasta hoy una inmensa producción, obra de grandes y grandes músicos: Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, Chopin, Stravinskij, Debussy son las principales figuras que han dominado tres siglos de música.

La música sacra y profana de Bach: el arte de escapar

El alemán Johann Sebastian Bach, antes de ser compositor, fue un gran organista y sobre todo como tal fue apreciado a lo largo de su vida. También fue un muy buen maestro: El clavecín bien templado, nacido como un cuaderno de ejercicios para los estudiantes, todavía se realiza y se escucha hoy por su extraordinaria belleza. Gran parte de su inmensa producción musical está inspirada en un profundo sentimiento religioso: el Pasiones, doscientos y más Canta o la magníficat fueron compuestas como un homenaje a Dios En sus famosas fugas se entrelazan varios temas musicales en complejas construcciones sonoras. Bach, con precisión 'geométrica', levanta monumentos sonoros similares a las poderosas catedrales góticas. Con habilidad y destreza, adapta y modifica temas hasta el poderoso acorde final.

La sinfonía: de Mozart a Beethoven

La sinfonía, una composición instrumental generalmente dividida en cuatro partes, es una forma musical que permite a la orquesta resaltar las mejores cualidades de las diferentes familias de instrumentos. Es sobre todo la música alemana de los siglos XVIII y XIX la que produce las grandes obras maestras en este campo. Ciento y más sinfonías, cortas y ligeras, compuso Franz Joseph Haydn. Entre las cincuenta sinfonías de Mozart, el gran músico austriaco, muchas son serenas, llenas de alegría y ligereza, algunas otras son atravesadas aquí y allá por la inquietud, la inquietud y la melancolía. En sus nueve sinfonías Beethoven encerró el universo entero: una visión heroica y combativa de la vida, el ideal de libertad, el amor a la naturaleza y la exaltación de la dignidad humana. Cada sinfonía es un mundo en sí mismo: desde el heroico lamento del Tercera sinfonía, a partir de la representación de la lucha contra el destino de Quinta sinfonía, a la dulzura rural de la Sexta sinfonía, a la alegría que invita al baile de Séptima sinfonía, para concluir con el apasionado llamamiento a la hermandad universal de Novena sinfonía.

Stravinsky y el nuevo lenguaje musical

Igor ′ Stravinskij es uno de los grandes protagonistas de la música moderna. En 1913 se representó el ballet El festival de la primavera: la revolución había comenzado. En esta composición, Stravinsky obtiene música salvaje de la orquesta, como un estallido de fuerzas primitivas que subraya el rito cruel y bárbaro narrado en el ballet: el sacrificio de una joven para propiciar la llegada de la primavera. El ritmo, la armonía y la melodía, que se han mantenido prácticamente sin cambios durante más de quinientos años, cambian repentinamente. En particular, el ritmo, verdadero protagonista del ballet, con su impetuosidad abrumadora simboliza la llegada repentina de la primavera tras el terrible frío del invierno ruso. El ritmo que te deja sin aliento se combina con la 'violencia' sonora de una orquesta gigantesca, en la que todos los instrumentos se utilizan como si fueran percusiones.

Los mil sonidos del piano

En los primeros años del siglo XVIII, mientras en Cremona la familia Stradivari construía los mejores violines del mundo, en Florencia Bartolomeo Cristofori inventó el piano, un instrumento capaz de resumir los sonidos de toda una orquesta, desde los graves hasta los oscuros. de un fagot a los picantes de un flautín.

Fryderyk Chopin fue el compositor que, más que ningún otro, supo captar el potencial del piano: en Nocturnos lo hace cantar, en polaco lo enciende de pasión y en Educación Transforme los ejercicios mecánicos en bellas imágenes sonoras. Mozart hizo del piano un instrumento capaz de producir melodías suaves y alegres. Beethoven lo trató como una mina de sonidos por descubrir y combinar. Debussy lo usó para crear piezas con 'colores' musicales muy matizados, mientras que Stravinsky revolucionó su uso al tratarlo como un instrumento de percusión.

Tantas formas de jugar

Solo o con algunos acompañantes, con motivo de conciertos públicos o más simplemente con amigos, el placer de hacer música tiene muchas caras pero siempre es emocionante. En todos los géneros musicales, en todas las épocas, en todas las latitudes, la interpretación en solitario o en pequeños grupos renueva la magia de la música.

LA solistas

El sueño de todo estudiante de conservatorio es convertirse en concertista, quizás en virtuoso de su propio instrumento: un violinista que recorre el mundo con su precioso Stradivarius, como Uto Ughi, o un pianista que fascina al público con el espléndido sonido de un Grand. Steinway, como Maurizio Pollini. ¡Cuántas páginas inmortales se han escrito para violín o piano, los instrumentos más utilizados para interpretaciones en solitario! Darle Partitas para violín solo por Bach ai Caprichos por Paganini, de Sonatas por Beethoven ai Interludios por Johannes Brahms.

Música de cámara

Hacia mediados del siglo XVIII las clases medias de Europa empezaron a ser tan apasionadas por la música como los príncipes, que tenían a su servicio grupos enteros de orquesta y ópera. Damas y caballeros tomaron lecciones de músicos valiosos, cantaron y tocaron un instrumento con una habilidad casi igual a la de los profesionales. Muchos disfrutaron tocando, para una pequeña audiencia de fans, piezas escritas para ellos por los más grandes compositores de la época. Así nació la música de cámara (nombre derivado de que, originalmente, se interpretaba en las salas de los juzgados), que incluía diferentes géneros. Una de las formaciones instrumentales más extendidas es el cuarteto de cuerdas: los cuatro instrumentos, dos violines, una viola y un violonchelo, interpretan piezas complejas cuyos temas musicales se entrelazan y son 'cantados' ahora por uno y por el otro instrumento. Los mismos compositores también se han dedicado a la música de cámara por el placer de hacer música con un pequeño grupo de amigos. Haydn y Mozart compusieron conversaciones musicales reales en las que los instrumentos se comunican entre sí.

La orquesta de jazz

El jazz es la música de los afroamericanos: nació, de hecho, en Estados Unidos de la fusión de las canciones de los esclavos con las canciones populares traídas al nuevo mundo por los colonizadores europeos. La melancolía se encuentra ahí blues, nacidos de canciones y espirituales del trabajo esclavo, sus canciones religiosas, y el rag-time, o música 'en piezas', es decir, sincopada en ella, se mezclan distintos instrumentos, europeos y africanos, clásicos y eléctricos.

Una banda de jazz es reconocida inmediatamente por el típico 'balanceo' del ritmo, lo balancearse, para el timbre de voces e instrumentos y para la improvisación. Esto puede ser colectivo o individual: a su vez, la trompeta, el saxo o el contrabajo realizan emocionantes solos. La improvisación en la música jazz tiene un significado antiguo: nació de la necesidad de los esclavos de introducir en la música de los blancos, que les era ajena, significados de la comunidad negra. Los músicos de jazz construyen un mundo sonoro diferente al clásico: en lugar de las notas 'correctas' buscan sonidos inusuales, deformados, tocando con mucha libertad.

Originalmente, las orquestas de jazz actuaban en camiones por Nueva Orleans, para las cuales no se proporcionó el piano, un instrumento que se agregó solo más tarde. Los 'reyes de la corneta' se desafiaban en las calles con su instrumento, trompeta o saxo. La trompeta de Louis Armstrong y Miles Davis y el saxo de John Coltrane siguen siendo famosos.

En el canto de jazz también hay una forma de usar la voz como un instrumento real, para emitir rápidamente sílabas sin sentido, utilizadas solo para su sonido: es el largarse, un juego vocal tan imprudente como atractivo. Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, grandes voces del jazz, destacaron allí, junto con la extraordinaria Billie Holiday, llamada por todos 'la dama del jazz'.

¿Son solo canciones?

Alegre, melancólica, irónica, polémica, culta o popular: la canción con sus mil matices acompaña cada momento de la vida. A veces es mundano y tonto, pero no pocas veces se basa en hermosas melodías y provoca grandes emociones.

La canción culta

En los países de habla alemana, desde Mozart en adelante, se difundió una especie de canción culta, la Mintió, una canción cantada en versos por poetas famosos.

En el siglo XIX, en plena época romántica, Franz Schubert compuso más de seiscientos Lieder: la voz, acompañada del piano, expresa sentimientos con espontánea inmediatez. En Viaje de invierno, por ejemplo, Schubert dice en 24 Lieder el escape de la sociedad de un viajero, que se siente condenado a la infelicidad y deambula en el frío invernal que lo cubre todo. Otros compositores, como Robert Schumann y, en el siglo XX, Gustav Mahler y Richard Strauss, continuaron la tradición de Mintió romántico.

En Italia, el predominio de la ópera limitó la canción al género más simple del 'romance de salón', una canción melodiosa y sentimental que cantaban jóvenes de buena familia acompañándose al piano. Algunos de estos romances, como los dulces y melancólicos de Vincenzo Bellini, se siguen representando hoy en conciertos de cámara.

¡Canta Nápoles!

La canción histórica napolitana ha difundido por todo el mundo una imagen de Nápoles e Italia coloreada por el sol, el mar, mandolinas y panderetas. Entre las canciones más conocidas del mundo se encuentra Funiculi Funicula, una canción, nacida a finales del siglo XIX, a partir de una música crepitante. Y luego 'Oh mi sol, Vuelve a Sorrento y muchos otros. Un gran poeta, Salvatore Di Giacomo, que conocía bien las pasiones y esperanzas del pueblo napolitano, escribió las palabras de canciones espléndidas y conmovedoras. En este autor, la palabra en sí ya es música. Es el dialecto, en el que se componen las canciones napolitanas, lo que les da un sabor de profunda sinceridad, ya sea que se esté hablando de sentimientos o esbozando una situación cómica con malicia e ironía.

Rock and roll y el ritmo

El rock and roll nació en Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial, cuando nacieron importantes innovaciones técnicas, como las primeras guitarras eléctricas, las primeras máquinas de discos, discos de 45 rpm, sistemas de amplificación que intensificaban el sonido. Fue Elvis Presley, con su guitarra y su voz ahora sollozando ahora conmovedora, quien difundió la música de los afroamericanos entre los niños blancos y creó un entusiasmo abrumador por los nuevos ritmos. Desde América, el rock, como una ola, invadió el mundo entero, conquistando a varias generaciones de jóvenes.

El movimiento musical golpear, nacido en Inglaterra en los años sesenta, se inspira en el entorno de batir la generación, es decir, esa generación de jóvenes rebeldes e inconformistas que poblaron Londres y Estados Unidos de aquellos años. Los Beatles y los Rolling Stones lo representan bien: los primeros, con sus canciones de vena puramente melódica, dieron voz a los sueños de las generaciones más jóvenes. Los Rolling Stones aportaron una mayor carga rítmica y un espíritu de rebelión más duro a la música.

En cambio, Joan Baez y Bob Dylan expresan los valores del movimiento pacifista estadounidense. Con guitarra al hombro y armónica, cantaron la protesta contra los 'señores de la guerra', el racismo y las injusticias.

Melódicas, gritones y compositores

En Italia, desde 1951, el 'ugole d'oro', las 'reinas' y el 'reucci' de la canción se coronan en el Festival de San Remo, que marca el triunfo de las melodías fáciles y las rimas de amor de corazón. La ruptura con esta música melódica banal se produce en 1958 con la canción de Domenico Modugno En el azul pintado de azul, un sueño surrealista que da la vuelta al mundo. El rock local nació con Tu beso es como una roca por Adriano Celentano, el primero de un grupo de gritones.

Sin embargo, una guitarra o un piano y una voz un poco ronca son suficientes para los compositores: Gino Paoli, Franco Battiato, Francesco De Gregori, Lucio Dalla, Paolo Conte, Francesco Guccini, Fabrizio De André cuentan sentimientos verdaderos, cosas normales en la vida. de todos, sueños, desengaños y aspiraciones de los jóvenes.

Música e imágenes

Desde que apareció la primera película sonora en 1927, la relación entre la música y el cine se ha vuelto cada vez más estrecha. Desde el cine a la televisión pasando por la web, cada canal de comunicación nos presenta imágenes asociadas a la música.

Poder de la musica

Las imágenes de una película muestran a un hombre caminando por un camino solitario. Sus pasos se asocian con sonidos agitados y estridentes de violines: el espectador no prevé nada bueno. Sin embargo, si las mismas imágenes van acompañadas de una melodía cálida y envolvente, confiada a los violonchelos, se imagina un feliz encuentro entre dos amantes. Este es el poder y la función de la música: hacer más completa la percepción de lo que se ve, anticipar lo que aún no ha sucedido, favorecer la memoria y la concentración.

Incluso en la época del cine mudo, la música resonaba en las salas de proyección: un pianista, un organista o incluso toda una orquesta comentaba el avance de eventos con antecedentes musicales que se consideraban oportunos. Salvo casos raros, se trataba de una música bastante genérica y repetitiva, variable según la inspiración y habilidad de los músicos encargados de interpretarla.

Música para el cine

Con la llegada del cine sonoro, la música pasa a formar parte de la banda sonora de la película, junto con los diálogos y los sonidos o ruidos. A partir de ese momento, cada película tiene su propia música, la que el director elige con mimo, colaborando con un músico experto en este tipo de composiciones o aprovechando el vasto repertorio de música ya existente.

En la banda sonora de una película suele haber música muy diferente: romances de ópera, canciones sentimentales, fragmentos de sinfonías o conciertos, jazz o música de baile. Por ejemplo, en 2001: una odisea espacial, El director estadounidense Stanley Kubrick hace girar una estación espacial al ritmo de un fantástico paseo en vals. Una yuxtaposición insólita, arriesgada e irónica entre una música escrita más de cien años antes para la elegante aristocracia vienesa y la aventura espacial de ciencia ficción vivida por un grupo de astronautas.

Cine para la musica

A lo largo de su historia, el cine ha hablado de música en numerosas ocasiones de diferentes formas: a través de películas basadas en óperas y musicales, por ejemplo. En el trabajo La flauta magica el director sueco Ingmar Bergman y el italiano Emanuele Luzzati se dedicaron a Mozart, en formas muy diferentes, que crearon una versión de dibujos animados muy colorida.

Luego hay innumerables películas que, con acentos más o menos veraces, cuentan la vida de grandes músicos y dejan que se escuche su música. Un ejemplo entre muchos es Amadeo (Mozart, por supuesto.), Del director estadounidense Milos Forman, basado en la ópera y la personalidad del genial compositor austriaco.

Finalmente, se realizan algunas películas con la intención de presentar música importante a los niños. Walt Disney lo pensó primero. Ha creado una obra maestra de animación, Fantasía, que hizo inolvidable la música de Paul Dukas, al sonido del cual el aprendiz de brujo Mickey hace sus desastres, el salto Danza de las horas de Amilcare Ponchielli, interpretado por un grupo de hipopótamos con tutús de color rosa caramelo, el Sexta sinfonía de Beethoven, que con sus notas envuelve la tormenta desatada por Júpiter en un plácido paisaje poblado de ninfas, faunos y centauros.

¿Qué es la música de vídeo?

La video música es la forma más concisa y rápida de comunicación audiovisual. Nacido del videoclip como publicidad de una canción, ha ido adquiriendo un lenguaje autónomo. Muchos cantantes de pop, rock y rap confían en una nueva categoría de artistas de imágenes en movimiento para promocionar sus canciones. Varios canales de televisión dan vida a una programación casi ininterrumpida de estos videos musicales.

Música y nuevas tecnologías

La tecnología moderna ha cambiado tanto la producción como la escucha de música. Si antes tenías que viajar mucho para ir a escuchar un concierto, hoy en día horas y horas de música pueden caber literalmente en tu bolsillo en dispositivos tan pequeños como un paquete de chicle.

Las nuevas formas de la música

Los artistas siempre han estado dispuestos a anticipar los cambios de la sociedad; hoy en día es difícil para el oyente seguir todas las novedades musicales que se producen año tras año con gran rapidez. Desde finales del siglo XIX, los músicos han buscado nuevas fuentes y nuevos tipos de sonidos, por ejemplo, han comenzado a dar cabida al ruido: el de la percusión o artilugios como la máquina de viento o las sirenas de los barcos. O incluso le dieron valor a la ausencia de sonido, es decir al silencio, como en el caso de John Cage, músico estadounidense que en 1952 compuso una provocativa pieza titulada 433″ En el que el protagonista es, por primera vez, el silencio. durante cuatro minutos y treinta y tres segundos!

Nuevas herramientas para nuevos sonidos

Hoy en día, dispositivos complicados ofrecen al compositor una serie de posibilidades y estímulos para jugar con sonidos que Mozart, Schubert o Verdi nunca imaginaron.

Hace unos cuarenta años se construyó el primero sintetizador, un instrumento musical electrónico que puede producir música a través de circuitos electrónicos, muy utilizado por casi todas las bandas de rock y pop. El dechado, de invención más reciente, permite agregar o quitar instrumentos, para imitar, de vez en cuando, a todo un coro, la voz suave del arpa o el redoble de los tambores, logrando en algunos casos distorsionar la materia sonora de un pieza musical.

El uso de sintetizadores y samplers caracteriza esa forma particular de expresión musical representada por el música electrónica.

Compositores ... electrónicos

Algunos compositores han experimentado con música electrónica en su producción. Uno de los primeros y más famosos es el alemán Karlheinz Stockhausen. En 1960 completó una pieza titulada Contactos que, ya en el título, revela un vínculo con los circuitos eléctricos: el piano y la percusión se mezclan con los sonidos grabados en una cinta magnética en contactos que a veces son suaves, más a menudo ásperos y angulosos.

En tiempos más recientes, el compositor Brian Eno ha manipulado los sonidos de diferentes formas: creó el llamado musica de ambiente, que también utiliza ruidos y silbidos producidos en determinados entornos. Eno creó instalaciones sonoras con teclados y sintetizadores, inventando ritmos que iban desde los ecos de Oriente, hasta sugerencias tribales, hasta musica techno.

Escuchando musica ayer y hoy

Ha pasado menos de un siglo desde que, con voluminosos y ruidosos fonógrafos de trompeta, se logró el 'milagro' de reproducir una interpretación musical en la propia casa. Parecía un gran logro. Luego vino el gramófono en el que se tocaban los frágiles discos de 78 rpm, que podían contener algunos minutos de música, luego reemplazado por el microsurco de discos de 33 y 45 rpm. En los años ochenta del siglo pasado se produjo la llamada revolución digital, una nueva forma de grabar música basada en la transformación de la señal sonora en el código binario propio del lenguaje informático. Así aparecieron pequeños discos compactos, CD, capaces de contener más de una hora de música grabada con una calidad asombrosa. Hoy en día, el sonido ya no necesita un medio físico como un disco, una cinta o un CD: lo digital permite producir archivos de música que viajan por Internet.

¿Dónde se comprará música en el futuro?

La invención de los formatos de archivos de música comprimidos ha permitido una circulación de música intensa y muy rápida a través de Internet, revolucionando el mercado de la grabación. Cualquiera, hoy en día, puede grabar su música y transmitirla a todo el mundo de forma gratuita a través de la red. Es probable que en el futuro incluso las grandes compañías discográficas distribuyan la música a través de sus sitios proporcionando al cliente un archivo de música y no un CD.

Biblioteca fantástica

"¡Oh, príncipe! / Acepta este regalo de mi parte / nuestro soberano te lo envía / La flauta mágica te protegerá y apoyará en las mayores desgracias ... Con esto puedes considerarte omnipotente / puedes cambiar las pasiones humanas / la triste se volverá feliz / el amor ganará el soltero ".

Ninguno La flauta magica de Mozart las damas de honor de la Reina de la Noche cantan estos versos dándole al Príncipe Tamino una flauta de oro. Así armado, no con una espada sino con música, el apuesto joven sale en busca de la princesa Pamina. La herramienta realmente tiene grandes poderes mágicos y Tamino pronto se da cuenta. Las dulces melodías de la flauta encantan incluso a los animales del bosque, abriendo pasajes inesperados que permiten al príncipe atravesar llamas o atravesar puentes invisibles que atraviesan gigantescas cascadas.

El que acompaña al príncipe en la aventura es Papageno, un divertido personaje cubierto de plumas que va cazando pájaros en nombre de la Reina de la Noche. Como cualquier cazador, sabe cómo atraer presas para hacerlas prisioneras. Su instrumento de caza es una flauta sencilla, no de oro sino de caña, un instrumento que cautiva con su sonido. De estos músicos encantadores, todavía hay algunos en todo el mundo y cada uno de ellos ha desarrollado una habilidad particular. El mejor de todos es, sin duda, el Flautista de Hamelín. La historia comienza en el año en que esa ciudad sufre una plaga: en la memoria viva, nunca ha habido tal invasión de ratas. Los roedores están por todas partes. Muerden a los niños, asustan a las mujeres, devoran las provisiones para el invierno. Incluso matan gatos.

En resumen, ¡una auténtica catástrofe! Pero un día llega un flautista a la ciudad. A primera vista, parece solo un viajero. Alto, delgado, con penetrantes ojos azules y cabello suelto sobre los hombros. No lleva equipaje ni caballo. Con él solo tiene una capa larga, mitad amarilla y mitad roja, que lo protege del frío, y una flauta con la que se gana la vida. "Dame tres sacos de monedas de oro y prometo deshacerme de las ratas esta noche", afirma con confianza tan pronto como se enteró del problema. Exasperados por la situación, los habitantes aceptan la propuesta sin hacer demasiadas preguntas. Es evidente que nunca han oído hablar del poder de ciertas flautas. Sin embargo, cuando llega la noche, el flautista comienza a tocar la flauta por las calles de la ciudad.

La música se esparce livianamente en el aire y penetra livianamente en todos los lugares, hasta llegar a los oídos de los ratones que salen por millares de casas y subterráneos. Como hipnotizados por la dulce melodía, los roedores siguen al jugador en procesión hasta el barranco del río y allí se ahogan uno por uno. ¡Qué gran alivio para todos! Pero una vez resuelto el problema, los habitantes se niegan a pagar la suma pactada. Entonces el flautista decide vengarse del mal que ha sufrido. Esta vez solo necesita tres notas para encantar, no a los ratones sino a los niños de la ciudad. Fascinados por el sonido de la flauta, los más pequeños salen de sus cálidas camas, bajan las escaleras, llegan a la carretera y siguen confiadamente al músico que los conduce a la gran montaña donde desaparecerán para siempre.

Para que la música sea encantadora, primero hay que tener buenos oídos, además de limpios, de los que carecía el famoso rey Midas. Durante un concurso musical entre divinidades, el monarca desafía a Apolo, el ganador, prefiriendo su interpretación a la de la flauta de pan. ¡Imposible hacerle entender a Apolo que todos los gustos son gustos cuando se trata de música! Apolo no escucha la razón e inmediatamente se vengó de la ofensa que recibió. Las orejas del torpe rey comienzan a alargarse y a llenarse de pelo negro y duro, como las de un burro. Para que no se rían de él, Midas se ve obligado a esconder esa vergüenza bajo un sombrero largo y puntiagudo. Solo el sirviente-barbero es consciente de la transformación.

El hombre es digno de confianza y el rey puede dormir tranquilo. Ciertamente es el miedo a ser castigado lo que frena su deseo de revelar el secreto. Pero el peluquero siente que no durará mucho más. Entonces, antes de que sea demasiado tarde, el pobre cava un hoyo en la tierra y le susurra lo que sabe a los oídos de su amo. Luego cierra todo con cuidado y vuelve feliz de haber confiado el secreto a la tierra silenciosa. Pasado un tiempo, en ese mismo prado comienzan a brotar unos retoños de juncos, que pronto crecen altos y flexibles para formar un matorral. Desde entonces, cuando el viento mueve los juncos, esas simples cañas se convierten en flautas que murmuran:

"El rey Midas tiene orejas de burro. El rey Midas tiene orejas de burro".

Si te encuentras cerca de un bosque de cañaverales, intenta escuchar el sonido del viento en las ramas. Puede encontrar un apuro que quiera contar una historia. Así le sucede a un niño pastor malayo que un día se siente atraído por la canción que proviene de un gran grupo de juncos. En ese lugar, años antes, un joven príncipe había sido asesinado por su envidioso hermano.

"Por favor hazme una flauta y llévame contigo para que todos puedan escuchar mi historia", susurra una voz triste y dulce juntos. Rápidamente, el niño corta el bastón, se lo lleva a la boca y escucha embelesado la dolorosa historia del príncipe. El eco de la flauta parlante pronto recorre pueblos y ciudades y todos se apresuran a escucharlo. Incluso el rey al oírlo se conmueve, reconociendo la voz de su hijo perdido.

Si no tenemos la suerte de encontrar una lengüeta parlante, siempre tenemos la opción de construir el instrumento nosotros mismos.

"Así que le pregunto a Eric el Rojo," ¿Cómo se hace una flauta? ". Él asiente con la cabeza hacia una esquina del Jardín Viejo." ¿Ves ahí? ", Señala un grupo de bambú pegado como plumeros para quitar el polvo, hecho jirones. y pendenciero. "Perfecto para flautas", dice. Sonríe, levanta la flauta y la música se extiende y sube a mi alrededor ".

Paul no lo repite dos veces. Él baja a los juncos, corta un bambú y corre hacia el cobertizo de herramientas para perforar agujeros en los lugares marcados en el trozo de caña por Eric el Rojo. Sí, Eric. Si el padre de Paul supiera que le pidió algo a uno de los muchos extraños que deambulan por Australia, hambrientos y sin trabajo, no se saldría con la suya.

Paul creció con música en los oídos: el silbido vibrante de su padre y el zumbido del piano de su madre. Luego, con la pobreza, su hogar también se volvió triste y silencioso. Pero el chico tiene música en la sangre. No puede evitar imaginarlo. Hace esto cuando ordeña la vaca, cuando corta madera e incluso cuando está en la escuela. Pero ahora, gracias a Eric, estará construyendo una flauta.

"Lo suelto de la empuñadura, soplo el polvo, me lo llevo a los labios. El ángulo debe ser incorrecto: no obtengo nada más que una ráfaga de aire chirriante. Coloco los dedos en los agujeros y soplo de nuevo, subiendo y bajando uno dedo a dedo. Las notas surgen como el canto de los roncos pájaros distantes, pero la música está ahí, si tengo la paciencia de buscarla ".

La flauta es un instrumento simple que se puede tocar de oído. Con las pocas indicaciones de Eric, el flautista vagabundo, Paul aprende a colocar los dedos y a buscar las primeras notas. No se rinde ante las dificultades iniciales. Y el hechizo que sobreviene a los verdaderos músicos se repite: poco a poco el instrumento llena su cabeza y su corazón y el niño se vuelve uno con su flauta.

Como Paul, Mila también ama la música. Mila es una niña especial, una niña delfín. No tiene cola ni aletas, pero fue criada por una manada de delfines, por lo que no se siente del todo humana. Todavía piensa que es un pez, se siente y actúa como ellos. Desde que la encontraron en una playa de Florida ha vivido encerrada en un centro donde un grupo de investigadores la estudia como si fuera un animal de circo.

Es el Dr. Beck quien un día le trae a Mila una flauta. Descubrió que a la niña delfín le gusta escuchar música de hombres. El mar donde la niña pasó muchos años estaba lleno de cosas para escuchar y allí la niña aprendió a usar el sentido del oído para sobrevivir. Pero a Mila le resulta difícil explicar cómo se siente cuando escucha música. Es como si algo la tocara por dentro, algo poderoso, dice. "más que las notas, más que los sonidos. La música no se escucha solo con los oídos".

La música le recuerda la vida entre sus amigos delfines. Entonces, cuando Mila ve la flauta, inmediatamente se entusiasma: es hermosa, suave como el interior de una concha. Al ver su alegría, el médico la anima e insiste en que aprenda a usarlo.

La niña delfín se divierte con la flauta, aprende rápidamente el idioma de la música. En sus manos la herramienta se vuelve mágica. Las notas comienzan a formar una nueva melodía. Es una música extraña, que tiene sabor a nostalgia. En su interior se oye el sonido de las olas rompiendo, de peces deslizándose suavemente en el agua. Tiene el color de los delfines saltando y zambulléndose en las olas. Sabe como la llamada de una ballena en busca de su pareja. Esta música no se parece ni a la música de Mozart ni a la que tocan en la radio. Pero es su canción, la canción de Mila, la niña delfín. Y cuando suena esa música, la niña siente que todos los demás humanos sienten algo en sus corazones. (María Cristina Paterlini)

Robert Browing, El colorido flautista, en Giuliana Pandolfi (ed. de), Dentro de los cuentos de hadas, Nicola Milano, Frignano1978

Cristina Del Mare, La flauta parlante en Cuentos de hadas y leyendas de Malasia, Arcana, Milán 1993

Garry Disher, La flauta de bambú, Mondadori, Milán 1998 [Ill.]

Jacob y Wilhelm Grimm, El flautista de Hamelin, Editorial Franco Panini, Modena 1994 [Ill.]

Karen Hesse, La musica de los delfines, Fabbri, Milán 2002 [Ill.]

Viviane Lamarque, Maria Battaglia, La flauta mágica: de la obra de Wolfgang Amadeus Mozart, Fabbri, Milán 2001 [Ill.]

Neil Philip, Las orejas del rey Midas, en El libro ilustrado de mitos de todo el mundo, Fabbri, Milán 1996 [Ill.]

Roberto Piumini, Las mil y una notas, Bompiani, Milán 1999 [Ill.]

Emanuel Schikaneder, La flauta magica, en Marco Beghelli (ed. de), Todos los libretos de Mozart, Garzanti, Milán 1999


El arte de imitar sonidos. Así es como los loros "hablan" nuestro idioma ...

Después del éxito del libro "Ticino salvaje" Viene otro interesante artículo sobre el mundo de los animales. Alessandro Pobbiati esta vez habla de loros ...

Los elegimos por sus colores vivos y variados, los miramos con simpatía porque para todos los loros son nuestras aves de compañía que “hablan”, una característica que las hace únicas en su especie. Pero, ¿cómo "hablan" nuestro idioma? ¿Y por qué lo hacen?

Más precisamente que saber hablar ¡Estos magníficos animales saben cómo reproducir algunos sonidos! ¡Son perfectos imitadores!

El loro "periquito"

El sonido que reproducen se crea gracias al aire que pasa por la tráquea y la jeringa (órgano vocal). De hecho, el loro tiene un sistema respiratorio muy similar al humano y gracias a la compresión y expansión de estas estructuras, el ave utiliza el tráquea, el conducto por donde pasa el aire entre los pulmones y la garganta, y el jeringas colocados al final de la garganta, son capaces de reproducir muchos sonidos, incluso la voz humana. Al cambiar la curva de la tráquea, el loro puede lograr modular la intensidad o duración del sonido y se puede ver en la forma en que mueve el cuello mientras silba o imita palabras más complejas.

Es mejor especificar inmediatamente que no todos los loros hablan, pero hay uno predisposición física que limita o aumenta las posibilidades de expresión hablada de un loro y que varía según la especie. En cualquier caso, incluso si existe una cierta predisposición a las especies, la capacidad de imitar la voz humana es sin embargo una actitud individual que debe ser estimulado y entrenado con el tiempo. Cualquier loro se desarrollará a su manera para reproducir palabras, basado en el tamaño de la tráquea y también a la posición de la lengua, que dependiendo de cómo se mueva puede mejorar y regular el flujo de aire que lleva el sonido, ¡como hacemos cuando cantamos!

Pero ahora vayamos al meollo del problema. ¿Por qué hablan?

No se dice que todos los loros hablen: para que esto suceda es necesario que sentirse a gusto en el lugar donde vive y tiene estableció una buena relación con sus dueños. Por lo tanto, debe ser amado y mantenido en las mejores condiciones posibles para que pueda tener un buen equilibrio psíquico y luego, por supuesto, debe dedicarse tiempo a charlar con el. La peculiaridad del loro es que combina palabras con acciones concretas, por lo que las asociaciones de ideas pueden llevarlo a tener ventajas también en las relaciones sociales. Y aquí, por ejemplo, aprenderá un di gracias después de recibir comida, o un saludar personas cuando entren en su habitación, o entenderá cuando lo llamen su nombre y de la misma forma podrá reconocer los nombres de las personas que conviven con él. Es evidente que cuanto más se utilice una palabra en su presencia, más fácil será para el loro aprenderla y por tanto utilizarla. El loro tiene la ventaja de comprender rápidamente que una determinada línea debe corresponder a una determinada respuesta, por lo que con las palabras y los sonidos que escucha crea su propio pequeño vocabulario.

Los loros, como bien puede comprender, son muy inteligentes y en la naturaleza, por ejemplo, algunas especies de loros como el periquito frente naranja, incluso pueden congregarse en grandes colonias donde desarrollan comportamientos sociales complejos como la comunicación. Algunos estudios llevados a cabo por la Universidad de Aarhua en Dinamarca han demostrado que estos animales son capaces de replicar perfectamente los sonidos para poder comunicarse entre sí, pero también con otros animales. Además de la voz humana, que es la imitación típica de los loros domésticos, estos animales pueden imitar prácticamente todas las especies de aves y muchos otros animales. La técnica es un método astuto de caza y búsqueda de comida. Una de las teorías más fascinantes explica este fenómeno a partir de la observación del instinto animal.

De hecho, la tendencia a comunicarse es prerrogativa de muchas especies, ¿y qué sucede cuando no pueden realizar esta práctica? Se adaptan a! e imitar perfectamente la voz de quienes los rodean.

Además de estos animales, existen otros maestros de la imitación en el mundo animal. Uno de los más comunes es el mirlo indio, también conocida como gracula religiosa, se encuentra fácilmente en la naturaleza en las áreas tropicales asiáticas de India, Sri Lanka, Indonesia, Filipinas, Pakistán y Malasia, pero también es visible en muchos de nuestros viveros. Parte integrante de una familia muy numerosa, compuesta por 32 especies diferentes, el mirlo indio es un ave muy inteligente a la que le encanta imitar los sonidos de otras aves en la naturaleza. El mirlo se educa fácilmente: Posee la capacidad de reproducir sonidos y tonos, palabras o incluso oraciones completas con extrema confianza. Esta propensión innata es útil en la naturaleza para confundir a los depredadores. Es precisamente esta característica del mirlo lo que lo ha consagrado, desde el punto de vista religioso y sagrado, en las tierras de origen. La reputación de pájaro parlante ha significado que en la India fue representado en la mano del dios Rama..

Pero en la naturaleza los mejores imitadores son las aves de la familia Menura. Estas aves que viven predominantemente en Australia también son refranes "pájaro lira" por las dos enormes plumas caudales (las que están al final de la cola), que los machos usan para el cortejo. Lo extraordinario de esta ave, sin embargo, no son las plumas como podría pensarse, sino su capacidad para imitar de inmediato los más variados sonidos, desde el llanto de otras aves hasta ruidos mecánicos. El pájaro lira tiene una memoria de hierro, si aprende a reproducir un sonido difícilmente lo olvidará. Este fantástico video de la BBC demostrará las habilidades excepcionales del pájaro Lyra, el mago de los sonidos.


¿Imitación o comunicación?

El análisis de los sonidos emitidos por el delfín fue realizado por Mel Cosentino, estudiante de doctorado en biología de la conservación de la Universidad de Strathclyde.
“Tenemos la intención de volver a grabar los versos de Kylie, tanto cuando está sola como cuando está junto al grupo de marsopas”, explicó.
"Queremos entender si se está limitando a imitar pequeños cetáceos, un poco como lo hacen los humanos cuando les ladran juguetonamente a los perros, o si realmente está tratando de comunicarse con ellos".
Si los nuevos análisis prueban la segunda hipótesis, la comunidad científica se enfrentaría por primera vez a una prueba concreta de que los delfines son capaces de aprender el lenguaje de otras especies.


Índice

  • 1 Etimología
  • 2 Descripción
    • 2.1 Dimensiones
    • 2.2 Apariencia
  • 3 Biología
    • 3.1 Fuente de alimentación
    • 3.2 Reproducción
  • 4 Distribución y hábitat
  • 5 Taxonomía
  • 6 notas
  • 7 Otros proyectos
  • 8 Enlaces externos

El nombre científico de la especie, adsimilis, proviene del latín y significa "similar a", en referencia a la presunta similitud encontrada por los descriptores de la especie entre esta última y las grajillas.

Cambio de tamaño

Mide 23-26 cm de largo y pesa 48-53 g [3].

Apariencia Editar

Se trata de aves de apariencia robusta y esbelta, provistas de una cabeza grande y redondeada, pico cónico y robusto de longitud media, ancho y con un extremo ligeramente en forma de gancho, patas cortas, alas largas mecanografiadas y una cola larga justo por debajo del cuerpo y (a partir del resto se puede adivinar por el nombre común) bifurcada, con los dos puntos que tienden a divergir, curvándose hacia afuera en la mitad distal.
En general, el drongo de cola de horquilla es muy similar a los otros drongos africanos, como el drongo de cola cuadrada (del que se diferencia por la cola más bifurcada y el tamaño medio más grande) o el drongo brillante (del que se distingue por ojos rojos en lugar de negros y nuevamente para la cola más bifurcada), así como el drongo negro similar (y en el pasado considerado conespecífico), su contraparte asiática con una punta de cola más redondeada.

El plumaje es completamente negro brillante, con presencia de tonos canela-violeta en las remiges, el pecho y los costados (este último puede tender a gris-negruzco), mientras que la parte inferior del ala es marrón-negruzca: en la cabeza, dorso, alas y pecho presentan reflejos metálicos azul verdosos, que son bien observables cuando el animal está en luz directa.
El dimorfismo sexual es evidente, aunque no extremo: los dos sexos son de hecho similares entre sí, sin embargo las hembras tienen un tamaño medio menor (principalmente debido a la cola más corta), así como un menor brillo del plumaje.

En ambos sexos los ojos son de color rojo sangre, mientras que el pico y las patas son negruzcas.

El drongo de cola bifurcada es un ave diurna que vive sola o en pareja, pasando la mayor parte del día posada en una rama observando el entorno, lista para abalanzarse sobre cualquier presa que se le presente o para esconderse en el espeso de la vegetación en caso de aparición. de un peligro potencial: como todos los drongs, incluso el drongo de cola bifurcada tiene una marcada territorialidad, aún más acentuada durante el período reproductivo, atacando regularmente a cualquier intruso que se atreva a acercarse demasiado al sitio de anidación o que comprometa la integridad del territorio, independientemente de cualquier disparidad de tamaño. Por ello, no pocas veces, donde un drongo preside su territorio, se forman en el suelo bandadas mixtas de aves que se dedican a buscar alimento, sabiendo muy bien que en el caso de la aparición de un peligro potencial se acerca el animal. comenzarán a emitir llamadas de intimidación y eventualmente continuarán con la agresión real, permitiéndoles escapar cómodamente.

Se trata de pájaros muy vocales y ruidosos, que vocalizan especialmente durante la madrugada y al anochecer, emitiendo una gran variedad de llamadas que van desde sonidos líquidos y chirriantes hasta ruidos de croar (no pocas veces emitidos a dúo por los dos. pareja), demostrando también ser excelentes imitadores e imitando regularmente las llamadas de otras aves.

Cambio de poder

El drongo de cola bifurcada es un ave principalmente insectívora: la dieta de estas aves se basa en grandes insectos (principalmente lepidópteros, ortópteros, escarabajos y cigarras [3]) que son capturados en vuelo o tomados del suelo o de hojas y ramas de árboles. , así como sobre otros artrópodos e invertebrados y sus larvas. Aunque esporádicamente, esta ave puede cazar y alimentarse de pequeños vertebrados, así como alimentarse de bayas, frutos pequeños y néctar.

Estos animales también han sido observados mientras se posaban en el lomo de grandes herbívoros para arrancar los parásitos cutan de manera similar a lo que hacen las bufagas, o mientras se sumergían en el agua para intentar capturar pequeños organismos acuáticos.
Una característica del drongo de cola bifurcada es emitir súbitos gritos de alarma incluso cuando no hay peligro en el entorno, de tal forma que se pueda comer la comida que dejan en el suelo los animales que (aprovechando la territorialidad de estas aves para explotarlas como centinelas) se apresuran a escapar al escucharlas [4]: ​​entre las víctimas favoritas de esta forma de cleptoparasitismo se encuentran los garruli [5] y los suricatos, y de esta actividad derivan algunas poblaciones a una cuarta parte de los alimentos consumidos diariamente [6]. Con base en este comportamiento, algunos estudiosos creen que los drongs poseen la teoría de la mente [7].

Edición de reproducción

Se trata de aves monógamas, cuya época de reproducción varía según la parte de la distribución considerada, extendiéndose de marzo a septiembre al norte del ecuador y de septiembre a enero al sur [3].

Los dos pareja colaboran en todas las fases del evento reproductivo: de hecho construyen el nido juntos (una estructura muy frágil y delgada obtenida entrelazando fibras vegetales en la bifurcación de la parte distal de la rama de un árbol), se alternan en la incubación de 2- 4 huevos y en la cría de polluelos, que eclosionan ciegos y sin plumas, vuelan alrededor de los veinte días de vida y se vuelven completamente independientes de sus padres alrededor de un mes y medio después de la eclosión.

El drongo de cola bifurcada sufre un parasitismo de eclosión por el cuco africano y el cuco blanco y negro [8].


Musica y matematicas

Que todo acorde musical se configura como una relación numérica es una conciencia que viene de lejos, incluso de la República y del Timeo de Platón. Para Casiodoro (siglo VI), "la música es una disciplina en la que hablamos de números".Agustín (siglo IV) afirma que la música es una "emanación sensible de estructuras matemáticas". Por tanto, no es de extrañar que en las artes liberales la música se incluya, junto con la aritmética, la geometría y la astronomía, entre las ciencias de la encrucijada, que con las disciplinas literarias de la encrucijada constituyeron el estándar educativo occidental desde la Edad Media hasta el siglo XIX. . La concepción platónica todavía se encuentra en Nicola Cusano (1401-1464), para quien Dios usaría la música con sus proporciones aritméticas y armonías geométricas para dar solidez eterna al universo. Con Galileo, en los Discursos y demostraciones matemáticas en torno a dos nuevas ciencias (1638), el análisis se vuelve más preciso: "La longitud de las cuerdas, no la tensión, no es la razón próxima e inmediata de las formas de los intervalos musicales. , pero tan bien la proporción del número de vibraciones y golpes de las ondas del aire que van a herir el tímpano de nuestro oído, que aún bajo las mismas medidas de tiempo se hace temblar ». En la carta al matemático alemán Ch. Goldbach del 17 de abril de 1712, Leibniz formula la famosa definición: "Musica est exercitium arithmeticae occultum nescientis se numerare animi" (La música es un ejercicio oculto de aritmética, en el que la mente no es consciente de calcular).

■ La escala pitagórica. El origen y fundamento de la armonía es el número: esta es la asunción del paradigma matemático que concibe la música como la ciencia del número sonoro y la asunción del fructífero entrelazamiento entre la música y las matemáticas, disciplinas que, aunque pertenecen a distintas esferas culturales, tienen en común varios aspectos formales: por ejemplo, un lenguaje específico que tiende a excluir a quienes no lo conocen y la absoluta necesidad de dominar un cierto tecnicismo, largo y exigente en su aprendizaje. Según la tradición, el nacimiento de la ciencia musical se remonta a Pitágoras, quien descubrió, al golpear un ánfora llena de agua a la que poco a poco añadió otra, que se generaba la misma nota pero más aguda. Una variante de la anécdota la transmite Jámblico de Calcis (siglo III d.C.): la intuición de Pitágoras se debe a un herrero de Crotone que martillaba el hierro con palos de diferentes tamaños. Entre los ruidos así emitidos, algunos eran más agradables que otros. Pitágoras los llamó sonidos consonantes y descubrió que se debían a martillos cuyos pesos estaban en relaciones precisas. Más allá de la anécdota, los pitagóricos notaron precisamente que, al hacer vibrar dos cuerdas sometidas a la misma tensión pero de diferente longitud (respectivamente 1/2, 2/3 y 3/4 de la primera), se obtenían sonidos particularmente agradables (consonantes , De hecho). Es la estructura fisiológica de nuestra audición la que nos hace percibir las frecuencias de los sonidos de forma multiplicativa más que aditiva: en resumen, con el oído "contamos" en progresión geométrica, mientras que con los dedos, sumando unidad a unidad, contamos según una progresión aritmética.

Como sabemos hoy, la frecuencia fundamental (nota) del sonido emitido por una cuerda tensa colocada en vibración es directamente proporcional a la raíz cuadrada de la tensión a la que está sometida la cuerda es, en cambio, inversamente proporcional a su longitud, a la raíz cuadrada. de su densidad y de su sección. Por ejemplo, la nota que emite una cuerda estirada por un peso cuádruple tiene doble frecuencia: se dirá que está a un intervalo de una octava de la anterior y se percibirá como "igual", pero más aguda. La misma observación se puede repetir en términos de longitud: acortando una cuerda y en particular presionándola a la mitad de su longitud y luego punteando una de sus mitades, obtendrá una nota una octava más alta.

Con base en estas proporciones, iterando el procedimiento y llevando la frecuencia dentro de la primera octava (el intervalo entre una nota y la de doble frecuencia), los pitagóricos construyeron la escala de las siete notas musicales indicadas por letras alfabéticas convencionales (A, B , C, D, E, F, G), como ocurre en los países germánicos y anglosajones, o mediante las sílabas DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI, sistema de notación desarrollado por Guido d 'Arezzo (991-1033) en la forma UT, RE, MI, FA, SOL, LA, de los incipitos de los versos de un himno medieval a San Juan. La escala se construye a partir de la frecuencia fundamental de un acorde tomado como unitario y multiplicado o dividido por 3/2. Procediendo así, por quintas ascendentes o descendentes, multiplicando por 3/2 o 2/3, obtenemos las proporciones de la llamada escala pitagórica (aunque en realidad se remonta a Eratóstenes, en el siglo III a. C.).

La teoría musical del sistema matemático pitagórico se basa en la representación del sonido musical a través de las proporciones de enteros simples: el cuaternario (es decir, los números del 1 al 4). Comenzando con Pitágoras, todos los tratados matemáticos de la antigua Grecia propusieron invariablemente un capítulo sobre música. Sin embargo, la escala pitagórica presenta algunos problemas. Entre dos notas consecutivas que están separadas por un tono, es decir, C-D, D-MI, FA-SOL, G-A, A-SI, la relación es 9/8 entre dos notas consecutivas que están separadas por un semitono, es decir, E- FA y SI- HACER: la relación es 256/243 en su lugar. En otras palabras, subiendo un tono y bajando dos semitonos, no regresa al punto de partida ya que el producto entre 9/8 y el cuadrado de 256/243 vale aproximadamente 1.0136 que (aunque ligeramente) es diferente de 1. Esto implica que la escala pitagórica presenta una espiral de quintas, infinita en ambas direcciones.

■ La música de las esferas. La sugerente hipótesis de la armonía de las esferas también se remonta a la tradición pitagórica, una teoría en la que el simbolismo del número y la teoría matemática de las proporciones armónicas están íntimamente vinculados a la investigación del origen y orden del universo. Según esta teoría, las estrellas con su movimiento a través del éter producen sonidos que no son audibles para el oído humano debido a su imperfección constitutiva. La teoría es descrita ejemplarmente por Platón en el último libro de la República y en el Timeo según este último diálogo, el divino demiurgo compuso el alma del mundo según los principios de la armonía musical, dividiendo la esencia de las cosas en siete partes originales. dos progresiones (aritmética y geométrica) con razón 2 y 3. De origen pitagórico son también las asociaciones tradicionales de las esferas planetarias (en ese momento: Luna, Sol, Mercurio, Venus, Marte, Júpiter, Saturno) en las cuerdas del antiguo lira heptachorde, y de los siete planetas a los siete sonidos formando dos tetracordes que se unen y coinciden en una nota común, la mése, originalmente el acorde central de la lira sobre la que los músicos regulaban el acorde de su instrumento. El matemático alejandrino Tolomeo (siglo II d.C.) perfeccionó y articuló esta analogía en la Armónica y el Tetrabiblos, pero ya Cicerón (siglo I a.C.) en el Somnium Scipionis (sexto libro de De Republica) había descrito la diferente frecuencia del sonido emitido por celestes Esferas: las externas emiten sonidos más altos y las más internas, las más bajas, las más bajas. A través de Macrobio (siglos IV-V d.C.) y Calcidio (siglo IV d.C.), la fortuna de la tradición matemático-musical platónica y pitagórica también se aseguró en la Alta Edad Media, cuando la música antigua de las esferas se transfirió gradualmente como "música divina". »Desde los planetas (cielo real) al cielo cristiano para representar la relación armoniosa entre Dios y sus criaturas. La doctrina de la música de las esferas circuló en Occidente como lugar común de todos los tratados musicales anteriores al siglo. xviii. También conoció modernas reformulaciones de Kepler, quien en el tercer libro de las Harmonices mundi libri quinque (1619) dedujo las armonías musicales de los polígonos regulares inscritos en el círculo, y las aplicó a los movimientos de las voces (musica instrumentalis), para los movimientos de la naturaleza (música astrológica) y los movimientos de los planetas (musica mundana) contaminando la geometría, la música y la astronomía, y las reinterpretaciones contemporáneas de un compositor como Paul Hindemith (1895-1963), en la obra Die Harmonie der Welt (The armonía del mundo, 1957).

■ La escala natural (o zarliniana). Las consonancias pitagóricas permanecieron en la base de la composición musical hasta el siglo XIII. xii-xiii, cuando la introducción de escalas de sonido no solo sucesivas sino también simultáneas implicó el uso de intervalos (tercios y sextos) no comparables a la teoría pitagórica resumida por Boecio (siglos V-VI d.C.). En la segunda mitad del siglo. XV, el franciscano Gioseffo Zarlino (1517-1590), compositor y teórico musical veneciano, se atrevió a desafiar la autoridad de Pitágoras y Boecio para adaptar la ciencia de los números sonoros a la práctica musical moderna. En sus Instituciones armónicas (1558) introdujo la llamada escala natural (o zarliniana). El sistema pitagórico se basó en números naturales hasta 4 y sus proporciones que dieron lugar a una octava (4/2 = 2) descompuesta en una quinta (3/2) y una cuarta (4/3) y al acuerdo DO- SOL-DO.

La innovación introducida por Zarlino en cambio también tomó en consideración los números 5 y 6 (no aceptados por los pitagóricos por sus creencias numerológicas místicas o mágicas) y sus relaciones que dieron lugar a un quinto (6/4 = 3/2) desglosado en una tercera mayor (5/4) y una tercera menor (6/5) y al acorde CEG. En la tabla de la escala Zarliniana

las proporciones son más simples: algunas no cambian en comparación con las pitagóricas, otras difieren en una cantidad que el oído humano no percibe. Sin embargo, los problemas persisten, de hecho, de alguna manera aumentan. Mientras que la escala pitagórica se construyó a partir de un tono (9/8) y un semitono (256/243), la escala zarliniana tiene dos tonos diferentes (grande y pequeño, 9/8 y 10/9) y un semitono (16 / 15). Si en la escala pitagórica el semitono no se corresponde perfectamente con la mitad de un tono, en la escala zarliniana el semitono no se corresponde perfectamente con la mitad de ninguno de los dos tonos. Seguimos afrontando la situación en la que dos semitonos no hacen tono y, al final del ciclo, las dos notas no son iguales.

Descartes en el Compendium musicae (redactado en 1618, publicado en 1650) simplificó el senario zarliniano indicando en 2, 3 y 5 (la tríada armónica) los números sonoros, correspondientes a las consonancias de octava, quinta y tercera mayor.

■ El temperamento. Las soluciones a estos problemas pasaron por el llamado temperamento que consiste en afinar los instrumentos levemente, para que los distintos intervalos estén más equilibrados entre sí. A principios del siglo XVI se propuso el temperamento mesotónico, basado en un intervalo de tono único igual a √ (5/2). Vincenzo Galilei (1520-1591), padre de Galileo, discípulo de Zarlino y precursor de la música barroca, propuso modificar la escala natural adoptando un semitono constante igual a 18/17. Su solución fue impugnada a principios del siglo XVII por el matemático S. Stevin, quien propuso el llamado temperamento igual. De esta forma se entendió que los números racionales no eran suficientes y que persistir en el uso de fracciones conducía a un callejón sin salida. De hecho, exigir que los semitonos sean iguales equivale a considerar la igualdad para la cual la razón entre dos OD sucesivos es igual a k 12 pero, dado que los dos OD están separados por una octava, tenemos la ecuación k 12 = 2. Obtenemos así una expresión irracional para el semitono, de la cual las anteriores expresiones racionales empleadas en las escalas pitagórica y zarliniana constituyen aproximaciones por defecto y por exceso. En 1691 el músico alemán Andreas Werckmeister (1645-1706) introdujo el llamado buen temperamento, un temperamento compuesto por 5 quintas mesotónicas y 7 quintas pitagóricas con las que logró cerrar el ciclo de quintas casi a la perfección. Su escala marca un punto de inflexión en la historia de la música, también se describe en la película Las armonías de Werckmeister (2000) del director y guionista húngaro Béla Tarr, y fue particularmente apreciada por Johann Sebastian Bach (1685-1750), quien utilizó en su clavecín bien temperado. La profunda inspiración matemática de la música de Bach es universalmente reconocida. Amaba los números y atribuía significados simbólicos particulares a algunos de ellos, tanto es así que se ha dicho que muchas páginas de su música se configuran como ejercicios aritméticos secretos.

El descubrimiento de los irracionales y la construcción de escalas cada vez más adecuadas, por un lado, representan una innovación técnica pero, por otro, conducen a un replanteamiento de las obras musicales en sí: el temperamento igual, por ejemplo, trajo consigo el concepto de tonalidad, que con fuerte énfasis en los acordes, es decir, las relaciones entre las notas tocadas simultáneamente.

■ El paradigma físico-matemático: la música como ciencia del cuerpo sonoro. Si hasta la época moderna la música teórica había explicado la armonía a través de un paradigma matemático indiferente a la naturaleza física del sonido, la ciencia musical del siglo xvii, en cambio, encontró armonía en el interior del cuerpo sonoro. Ya en la filosofía natural aristotélica, el sonido era un objeto de audición de calidad sensible, y la música era una disciplina que aplicaba explicaciones naturales al estudio de la armonía. En la segunda mitad del siglo XVI, G.B. Benedetti había aplicado la concepción aristotélica del tiempo como medida de movimiento a las vibraciones producidas en el aire por la fuente sonora, ofreciendo una explicación física de la consonancia. El ataque a los "universales aritméticos" en la música continuó luego con Vincenzo Galilei. Oponía la perfección del número a la "experiencia de las cosas maestras", que le mostraba la dependencia del número sonoro de las condiciones materiales del cuerpo sonoro: tensión de la cuerda, sección, masa del material, etc. La primacía del movimiento sobre el número fue la premisa de la ciencia musical mecanicista del siglo XVII. En Harmonie universelle (1636-37), M. Mersenne tradujo el concepto agustiniano de armonía universal al lenguaje de la mecánica de Arquímedes, formulando la primera ley físico-matemática de la cuerda vibrante. En el Discorsi (1638) Galileo Galilei refunda la ciencia de la armonía, asimilando las oscilaciones periódicas de la cuerda a la ley del movimiento armónico simple definida para el péndulo, y la antigua ciencia del número sonoro se convierte en un capítulo de la mecánica de Cuerpos elásticos. El estudio de las leyes físico-matemáticas de la armonía inaugurado por Mersenne y Galileo condujo entre finales de siglo xvii y principios del XVIII al descubrimiento de armónicos superiores a través de la observación de los movimientos simultáneos de vibración de la cuerda. El enigma pitagórico de los números sonoros encontró un fundamento en las causas físicas de la armonía generada por el cuerpo sonoro. Desconociendo los desarrollos de la ciencia musical moderna, la teoría armónica del siglo XVII había intentado racionalizar las estructuras acordes de la música barroca estimuladas por la práctica del bajo continuo, investigando su origen a partir de un acorde fundamental. Estas dos tradiciones autónomas de investigación sobre el origen de la armonía, natural y musical, se encontraron por primera vez en la primera mitad del siglo XVIII en los escritos de Jean-Philippe Rameau (1683-1764). Al integrar la noción armónica de "bajo fundamental" con la física de "sonido fundamental", Rameau reformó la teoría de la armonía con los resultados y métodos de investigación de la filosofía experimental nacida con la revolución científica del siglo XVII, imponiendo la música a orden del día de la cultura científica europea. En su Traité de l'harmonie réduite à ses principes naturels (Tratado sobre la armonía devuelta a sus principios naturales) escribe: "La música es una ciencia que debe tener ciertas reglas, estas deben ser extraídas de un principio evidente y este principio no puede ser conocido sin la ayuda de las matemáticas. Debo admitir que, a pesar de toda la experiencia que he podido adquirir en la música, de practicarla durante un período suficientemente largo, sin embargo, es solo con la ayuda de las matemáticas que mis ideas se han desenmarañado y la luz ha sucedido a una cierta oscuridad. Nunca me había dado cuenta antes ".

■ La propagación del sonido. Durante el siglo XVIII, los matemáticos comprendieron mejor la naturaleza del sonido y pudieron describir analíticamente su propagación. Para generar un sonido, primero se necesita un cuerpo elástico vibrante (una cuerda, por ejemplo) que transmita esta vibración al aire en forma de compresiones alternas y rarefacciones de capas sucesivas de moléculas. En 1747 J.-B. Le Rond d'Alembert fue el primero en encontrar la ecuación que describe la propagación de una perturbación genérica de una cuerda estirada entre dos puntos y colocada en vibración. La ecuación de D'Alembert, una ecuación diferencial parcial de segundo orden, lineal y homogénea, admite como solución general la suma de dos ondas transversales que se propagan en direcciones opuestas sobre la cuerda y que se denominan ondas progresivas y regresivas. Su contribución fue aclarada, también a través de una controversia que involucró a los tres matemáticos aquí considerados, por Euler, quien sentó las bases científicas del principio de superposición -cualquier perturbación puede expresarse como una combinación lineal de ondas planas- y por Daniel Bernoulli (1700-1782). , hijo de Jacob Bernoulli, quien expresó el sonido como una suma infinita de oscilaciones armónicas. La solución general de la ecuación de onda plana viene dada por una serie trigonométrica y cada sonido emitido por una cuerda vibrante es la suma de sus infinitos armónicos. Por tanto, es posible dar una justificación, ya no basada exclusivamente en la práctica de los afinadores, a los tiempos y al fenómeno de la interferencia en la base del concepto de "tono correcto" de los intervalos musicales. Bernoulli creía haber descrito, mediante una serie trigonométrica, un tipo particular de sonidos (los producidos por cuerdas vibrantes), pero otro gran matemático francés, J.-B.-J.Fourier, llegó a la conclusión de que la solución de Bernoulli era válida para todos los sonidos: toda función periódica se puede expresar mediante una serie trigonométrica. También escribió, en realidad sobre otra ecuación diferencial parcial fundamental, que "si sus soluciones pudieran escucharse, nos darían la sensación de armonía musical".

Las aportaciones de Fourier se sitúan a principios del siglo XIX. A lo largo del siglo, en una dirección divergente de los principios inspiradores del matemático francés, las matemáticas descubrieron el gusto por una abstracción y un formalismo marcados que parecen alejarla del contacto con la realidad. El siglo XIX es el siglo de las geometrías no euclidianas, de los cuaterniones, de las primeras estructuras algebraicas, del nacimiento del análisis funcional. La tendencia hacia una matemática sostenida solo para respetar el principio de no contradicción y las limitaciones que arbitrariamente elige darse a sí misma, se acentúa durante el siglo XX, y los reflejos de este punto de inflexión no tardan en hacerse sentir en la historia de los Estados Unidos. música.

■ De la dodecafonía a la música estocástica. Como reacción a la tradición romántica europea del siglo XIX, las primeras décadas del siglo XX registraron novedades estilísticas en el campo de la música que socavaron el principio de consonancia / disonancia de los acordes musicales. Arnold Schönberg (1874-1951), junto con sus alumnos Alban Berg (1885-1935) y Anton Webern (1883-1945), abolió todas las normas tonales, marcando el comienzo de la era de la atonalidad y la dodecafonía, un método de composición que utiliza doce sonidos de la escala cromática libre de relaciones armónicas recíprocas y jerárquicas y reorganizada, también con el uso de técnicas combinatorias, según el principio de la serie (de ahí los términos serialidad y música serial). el principio constructivo de la música en serie se basa en una sucesión de sonidos rigurosamente predeterminada, denominada series. Sin perjuicio de las relaciones de intervalo de la serie, la disposición de los sonidos se puede cambiar mediante procedimientos de inversión, retrogradación y retrogradación. También son posibles las transposiciones de la serie y sus derivadas en los doce grados de la escala cromática. El primer uso sistemático de la serie tuvo lugar en los años veinte del siglo XX en el contexto de la dodecafonía, aunque existen ejemplos (como en Igor Stravinskij, 1843-1902, y en Gian Francesco Malipiero, 1882-1973) de organización serial también en música diatónica y tonal. En las escuelas de las vanguardias poswebernianas (principios de la década de 1950), el principio de serialización se extiende a todos los parámetros sonoros, tales como: timbre, dinámica, modos de ataque, intensidad, duraciones, etc. Olivier Messiaen (1908-1992) intenta aplicar las mismas técnicas tanto a los tonos como a otros elementos de la composición musical, un camino de investigación que conducirá al "serialismo integral" de Pierre Boulez (1925-2016). El interés de Messiaen por las matemáticas se remonta a la infancia: "Cuando era niño ya me encantaban los números primos, estos números que (solo porque no son divisibles) emiten una fuerza oculta" (Claude Samuel, Permanences d'Olivier Messiaen. Dialogues et commentaires , 1992). Este interés se ve confirmado por los títulos de algunas de sus composiciones, donde aparecen conceptos matemáticos como permutaciones, simetrías, distribuciones de números, números primos, periodicidad. Algunos de los más grandes compositores del siglo XX no carecen en absoluto de una cultura matemática específica: antes de ingresar al Conservatorio de París, Boulez había realizado estudios de matemáticas en Lyon lannis Xenakis (1922-2001), compositor y teórico de la música que había estudiado con el guía de Messiaen, era licenciado en ingeniería y había colaborado con Le Corbusier en importantes proyectos arquitectónicos y urbanos como la creación del pabellón Philips en la exposición de 1958 en Bruselas. Con la música estocástica basada en la teoría de la cadena de Markov, Xenakis introdujo la probabilidad en la música en 1955: la composición musical se elabora mediante procesos formales definidos en términos probabilísticos. Estos procesos, si bien no permiten la determinación precisa de eventos únicos, permiten el control global del sistema y su comportamiento general En este caso, la música estocástica se diferencia de la música aleatoria en que, aunque se basa en principios de aleatoriedad, es guiada mediante rigurosas reglas formales, que definen explícitamente el modelo de composición. La música de Xenakis ya pertenece a un período marcado por el uso de computadoras y la síntesis electrónica de sonidos (aunque de hecho la búsqueda de fórmulas para producir música es mucho más antigua): la primera composición que hace uso de las nuevas tecnologías es en 1957, Suite Illiac para cuarteto de cuerdas, creada por el compositor Lejaren Hiller (1924-1994) y por el matemático Leonard Issacson de la Universidad de Illinois. Es la última etapa de un viaje que desde la antigua Grecia ha visto cómo la música y las matemáticas avanzan por caminos paralelos pero muy próximos entre sí, tan cerca que pueden arrojar muchas "pasarelas" entre una y otra.


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  3. Cárabo: verso y significado De tamaño mediano, el búho es un ave rapaz nocturna que pesa alrededor de medio kilogramo y no alcanza la longitud de medio metro, incluso el de 40 centímetros. Un pájaro también se mide por la envergadura y su tamaño puede ser de aproximadamente un metro.
  4. a tiene un canto más parecido al del búho. Aquí están los versos emitidos por un búho adulto.
  5. a continuación te ayudaremos a distinguir las dos canciones

Canción de búho común (cantando). Peter Trimming Strix aluco. Otros strigiformes. Búho Ural. Autillo. Lechuza. Búho de cabeza grande. Búho común. Búho enano común. Búho chico. Búho de orejas cortas. Búho real. Alaudidae (4) Alcedinidae (1) Alcidae (1) Anseriformes (25) Apodiformes (1) Ardeidae (9 El búho es un ave sedentaria y nocturna, su hábitat natural está representado por bosques con coníferas y plantas caducifolias (las llamadas plantas caducifolias). ) como nido explota cavidades de todo tipo que puede encontrar en plantas o incluso en viejos edificios abandonados muy a menudo también encuentra refugio en las madrigueras de tejones y conejos Canto de búho al atardecer en los bosques de Monte Tarino - Monti Simbruini Regional Natural Parque (Lazio En Italia, el búho está muy extendido en todas partes desde las costas marinas hasta los 1500-1800 m snm, siempre que haya entornos boscosos, incluso degradados. Con frecuencia coloniza los centros de las ciudades con áreas y parques monumentales (Pavía, Trento, Siena , Roma, Turín, Bérgamo). Población estimada en Italia (45.000-70.000 parejas)

Nada de esto, es el verso del búho, inconfundible para quien aprende a reconocerlo al menos una vez. Hoy hablaremos de esta maravillosa especie, el Strix aluco. Además de la descripción general del cárabo y su verso, también veremos dónde vive, qué come, cómo anida y cuáles son sus presas más codiciadas en el menú. allòcco. allòcco s. metro. [lat. alucus tardío, ulucus y uluccus, de origen onomatopéyico] (pl. - chi). - 1. a. Ave rapaz del orden Strigiformes (Strix aluco), de unos cuarenta centímetros de altura, muy común en bosques, parques, jardines del norte de África, Europa (excluyendo las zonas más septentrionales) y Asia occidental. Plumaje rayado,.

El cárabo común (Strix aluco) es la especie más vociferante y quizás la más hermosa de escuchar e investigarFácil de reconocer por un canto que se asemeja a un aullido (macho), mientras que la hembra tiene un canto más estridente y estridente El búho es un ave rapaz nocturna que es todo menos estúpida, sin embargo sus grandes ojos redondos, fijos y vacíos, le dan una expresión tonta, sobre todo cuando está deslumbrado por la luz ¿Quieres escuchar lo que dice la lechuza ?. ¿Quieres saber cómo se llama el verso del búho? Si continúa leyendo el artículo. Empecemos recordando que el búho es un ave rapaz perteneciente a la familia Strigidae que puebla los densos bosques y selvas de Europa, Asia y Norteamérica, es un animal nocturno que se alimenta de pequeños animales.

búho. [al-lòc-co] enmendado (pl. -chi) 1 Ave rapaz nocturna con plumaje de gris a marrón y grandes ojos oscuros. 2 fig. (f. -ca, pl. -che) Estúpido, persona torpe SIN tonto, gonzo. . Si no canta y no mueve sus ojos marrones, te retamos a que lo ubiques. ES: Cárabo común (Strix aluco) en sonido. Si.

Respuestas para la definición * Un búho real * para crucigramas y otros juegos de rompecabezas como CodyCross. Respuestas para crucigramas que comienzan con las letras G, GU Escuche el búho común en canti-birds.it, que es una colección exhaustiva de cantos de pájaros italianos. También funciona en tu móvil búho (profundización) m sing (zoología) (ornitología) ave rapaz nocturna del género Stryx, orden Strigiformi, de cabeza redonda y ojos oscuros, de unos cuarenta centímetros de altura, su clasificación científica es Strix aluco (taxonomía ) (en sentido figurado) individuo tonto un búho (Strix aluco

Verso - en Amazo

  • cia para defender un territorio mientras el mate va en busca de un barranco adecuado para albergar el nido. Cada año, la pareja pone un promedio de 2-3 huevos que eclosionan después de aproximadamente un mes.
  • ucción de los especímenes de Strix occidentalis caurina, nativa del estado de Washington, Oregon y California. Desde 1960, el búho barrado ha ido ampliando su área de distribución hacia el oeste de los Estados Unidos, quizás también debido a la presencia del hombre que ha creado nuevos hábitats ideales para la especie [6].
  • Pero los tontos, además de asustar a las actrices, usan sus vocalizaciones por otras razones. El macho del búho usa su poderoso llamado para defender el territorio de otros individuos de la misma especie que podrían socavar a su pareja y por lo tanto el canto es, a todos los efectos, una señal etológica prioritaria en la definición del hogar.
  • Tiene una cabeza grande y redondeada que puede girar 270 °, los ojos son redondos y grandes, rodeados de discos de color crema. El Allocco es una especie común y ampliamente distribuida en la mayor parte de Europa y Asia, ausente solo en Irlanda, Escocia, la península escandinava y el norte de Rusia.

Allocco - Strix aluco Atlas de la fauna italiana - Aves Clasificación y distribución sistemática. Clase: Aves Orden: Strigiformes Familia: Strigidae Género: Strix Especie: aluco El cárabo común es una especie muy extendida en Eurasia y el noroeste de África. El búho de los Urales en Italia sólo se cría desde 1994, los primeros nidos se han observado en Friuli-Venecia Julia El búho europeo es un ave rapaz nocturna, es decir, vive su existencia principalmente en las horas de oscuridad. También es un hábil cazador, tanto por el oído como por la vista, pero sobre todo por su plumaje de un color muy parecido al de la corteza de los árboles, característica peculiar que le permite integrarse en el bosque. Traducciones en contexto para búho en italiano-inglés de Reverso Context: El cárabo es el más común y extendido de los Strigidae europeos


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